ESCUELA SUPERIOR DE BELLAS ARTES

DR. JOSÉ FIGUEROA ALCORTA

ESPACIO CURRICULAR: El arte  en la historia I

CARRERA: Tecnicatura

AÑO: 2016

CURSO: 1°

PROFESORA: Mariana Robles

 BREVE RESEÑA HISTORICA DE NUESTRA INSTITUCION:

La Academia se fundó en 1896 con el nombre de Escuela de Pintura copia del natural, durante la gobernación de José Figueroa Alcorta y bajo el estímulo de Emilio Caraffa.[1] Este hecho significó para el interior del país un temprano acontecimiento dentro del impulso de la generación del ´80 con el objetivo de construir una idea de Nación culta y civilizada. La educación artística en este caso significó la implementación de un sistema, el académico, muy propio de la mentalidad liberal y positivista de la época. Sin embargo es necesario destacar que el modelo académico aplicado en Córdoba responde a un perfil heterodoxo.

Luego de los primeros años de funcionamiento y tras la fuerte gravitación que la Academia venía ejerciendo en el ámbito cordobés, el gobierno provincial dispone en 1911 la creación de una galería estatal de pintura y escultura. Esta circunstancia será el antecedente del Museo Provincial de Bellas Artes, inaugurando su actual sede en 1916.[2] Durante los primeros años de vida institucional, el Museo desplegará su labor íntimamente vinculado a la Academia, ambas supeditadas a la entonces Comisión de Bellas Artes[3]. Pero como lo comprueba la abundante documentación que se conserva en el Archivo Histórico de la Escuela de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, la entonces Academia era el lugar por donde pasaban todos los aspectos relacionados con las bellas artes en Córdoba.

Como institución formadora del campo, la presencia de la Academia en el medio cordobés no tardó en hacerse notar. El Ateneo, una meritoria aunque efímera institución cultural cordobesa, fue testigo desde su fundación en 1894 de una importante presencia de profesores y alumnas de la Academia, quienes fueron merecedores de distinciones en sus certámenes y de elogios en la prensa local.

La organización del Salón Anual a partir de 1916, la implementación de la ley de becas en 1922, junto a las tareas relacionadas con la convocatoria, selección y seguimiento de los becarios, estaban bajo la orbita de la Academia. Un lugar donde no solamente el arte era impartido como estudio, sino también sancionado y evaluado, un centro monopolizador de las funciones de legitimación y transmisión de valores. La pedagogía implementada durante los primeros años de la Academia tenía que ver con la gravitación de las novedades del panorama artístico europeo hacia fines del siglo XIX Los primeros profesores se apropiaron de esas novedades para construir de manera implícita una modernidad en la periferia.

Las nuevas maneras de enseñar residían entonces en la adopción de un esquema paulatino que consistía primero en la reproducción de estampas, para pasar luego a la copia del natural. Esta última estrategia implica ciertamente un rasgo de modernidad en la enseñanza de las bellas artes, que abandonará la copia de arquetipos y la pintura de memoria en el taller. Una manera inédita de enseñar tomando modelos de la vida real y que estaba a tono con el temperamento artístico de Emilio Caraffa.

“Los maestros de la pintura de córdoba” A este grupo de pintores le tocó desplegar las estrategias que hicieron posible constituir a la Academia como un lugar de prestigio. En el caso puntual del paisaje local fueron ellos quienes con su mirada iniciaron la práctica del género, resaltando su valor. La fuerza de esa mirada inicial, de esa manera de ver, construyó una representación de la naturaleza que es el punto de partida de la tradición de la pintura del paisaje en Córdoba. Propiciaron un tipo de lenguaje que era el que demandaba el cordobés urbano y burgués, habitante de los años de transición del siglo XIX al XX. Es entonces desde la Academia donde se “irradia” esta nueva forma de ver el mundo, logrando desde allí una gran difusión y al fin su aceptación.

A finales de la década del 40 la Academia fue el enclave decisivo desde donde se apoyó la canonización de lo moderno, institucionalizando los valores de las llamadas vanguardias históricas. En este segmento de la exposición están reunidos aquellos artistas que, a tono con otros centros de Argentina. Promovieron y sostuvieron la modernización de las artes plásticas. Pero lo que imprime un carácter singular a los pintores de esta generación es que operaron dentro de un proceso de re significación de los postulados ortodoxos de las vanguardias. En su práctica como artistas y como docentes dieron paso a la configuración de un entramado en el que se incorporan otros referentes de validación a su labor, como por ejemplo la ratificación de la dimensión local y regional.

Tras sus 111 años de ininterrumpida labor, la Academia, se constituye hoy como la única institución en su tipo fundada en la Argentina del siglo XIX que aun permanece en actividad.[4]

METAS INSTITUCIONALES:       

- Formar y capacitar técnicos profesionales y docentes en el campo de las artes visuales, sus disciplinas tradicionales y las ampliaciones de esas disciplinas en el mundo del arte actual.

- Promover y desarrollar la investigación en el campo de las artes visuales, sus disciplinas afines y su interrelación con las otras artes, desde la producción artística y la enseñanza del arte.

- Fomentar el perfeccionamiento, capacitación y actualización permanente en el área de las disciplinas artísticas y su enseñanza.

- Incluir las nuevas tecnologías, utilizándolas como herramientas enriquecedoras dentro de la producción artística, la investigación y la enseñanza del arte.

- Formar y capacitar técnicos profesionales y docentes en el campo de las artes visuales, sus disciplinas tradicionales y las permanentes ampliaciones de esas disciplinas, producidas en el arte actual.

- Contribuir en la generación de espacios de reflexión y producción de conocimientos, en la conservación y difusión del arte, involucrando a la comunidad como aporte a su desarrollo, transformación y bienestar.

- Formar docentes y artistas comprometidos con la realidad social de su entorno, con capacidad crítica, flexibilidad y sentido de lugar o de pertenencia.

FUNDAMENTACIÓN:

Las artes visuales en la historia es una escena curricular propicia para la conceptualización del arte en el campo histórico. A diferencia de la historia del arte, que se asume como la narrativa hegemónica de las artes visuales, el arte en la historia permite indagar las rugosidades del tiempo para rescatar discursos marginales de la cultura y especialmente el arte. Más allá de la narrativa cronológica, la herencia judeo-cristiana de un tiempo teleológico y lineal, el arte se permite explorar otros tiempos. La historia no se asume necesariamente como una consecuencia de épocas que se superan entre sí, negándose y desplegándose progresivamente sino como el flujo de imágenes que reguardan la temporalidad. La imagen, la presencia de la materia y de los cuerpos, es el epicentro neurálgico de las artes visuales en la historia.

Una lectura diferente de la historia nos permite considerar la particularidad, así también las minorías creadoras que viven fuera de los circuitos establecidos por la hegemonía cultural que sustenta los discursos históricos. Pensar el arte como posibilitador activo de sus propios discurso implicar ver la realidad desde perspectivas variadas, combinando conocimientos para entender los acontecimientos. Las artes visuales mismas pueden ser comprendidas como un acontecimiento donde la apertura de la razón y de la imaginación se conjugan para decir una verdad diferente a cualquier otra, para aprehender el sentido de lo que nos rodea.

Desde esta perspectiva las artes en el tiempo, las artes en la historia, generan visiones poéticas del mundo, anotaciones precarias frente al poder del discurso pero intensas en la propagación de un sentido afectivo y persistente.

OBJETIVOS:

-          Conocer el arte a través del tiempo, indagando las múltiples posibilidades de las creaciones artísticas.

-          Recorrer la historia del arte de manera d descubriendo sus rugosidades, entramados y redes que se conectan a través del tiempo en el arte.

-          Atender a las imágenes en sus diferentes capas de sentido advirtiendo la complejidad de la historia encarnada en la materia

-          Otorgar protagonismo en el relato histórico a los sentidos que del arte provienen, priorizando el relato material antes que el relato cronológico.

-          Escuchar, divisar, entender las visiones del arte en cuanto frecuencia atemporal del habla.

-          Comprometerse con el estudio del arte en la historia como relato cualitativo para la práctica artística.

-          Visibilizar prácticas artísticas alternativas de aquellas que se legitiman en la historia del arte hegemónica.

-          Pensar el arte en la historia desde nuestro contexto, imprimir la perspectiva singular de quien rasga su elemento de estudio y no desde una visión objetiva y neutral.

CONTENIDOS: 

Unidad I:

Introducción a la imagen de mundo de las diferentes épocas de la historia de occidente desde la configuración del mundo antiguo hasta la época moderna y lineamientos conceptuales de la contemporaneidad.

Toda la cátedra se desprenderá de la lectura de los textos-manifiestos de los artistas de fines de Siglo IXX y principios de Siglo XX. En la primera unidad se leerán y analizaran los textos de los impresionistas, especialmente los escritos por Paul Cézanne. A partir de su pensamiento podemos encontrar relaciones, entramados y figuraciones propicias para comprender otras tendencias de las principales corrientes del arte de occidente como el Barroco, pero también la herencia formal y filosófica devenida en estética de los antiguos griegos, del mundo clásico. También se pueden detectar en los escritos de Cézanne los principales antagonismos que toman diversas formas pero aún así se mantienen en la historia, como las dicotomías sujeto-objeto, hombre-mundo y exterior- interior. Estos problemas, no sólo aparecen las formulaciones teóricas, sino también encarnadas en los cuerpos de las obras. Dentro del mismo movimiento impresionismo se puede aprehender por negación o afirmación, diferentes aspectos, de la herencia artística precedente.

Unidad II:

En la segunda unidad se presentara el Fauvismo y el expresionismo como una tendencia capaz de mostrar aspectos mucho menos teóricos de los artes, vinculados a la idea de salvajismo y niñez. Pero a pesar esta radical propuesta de comenzar con el arte desde el principio, refundar la creación en la historia al modo de un primitivo, los artistas fauvista y expresionistas se anudan a la historia. Sus elementos formales, el uso del color, la invasión del plano pictórico, el protagonismo del gesto se diferencia del impresionismo y de la fundación perspectiva del renacimiento, pero la negación es una forma de aprehensión, que permite una mirada de la historia desde otra mirada. La mirada ya no se ubica en los ojos como la tradición occidental ha diseñado racionalmente, entendiendo que la visión es lo que más fielmente traduce las coordenadas de la mente. Para los fauvistas y los expresionistas todo el cuerpo es canal de sensaciones y posibilitador de imágenes. Aquella oscuridad prerracional y la configuración de un cuerpo sufriente nos conectan con el gótico y el estadio pasional de la búsqueda de un sentido más allá de la realidad del mundo. Una realidad interior que oficié de verdad frente a todo lo que hay.

Unidad III:

Cubismo. Primera pintura abstracta. La pintura cubista cuestiona de manera radical la concepción espacio-temporal de la tradición pictórica occidental. Fragmenta y reinventa el plano ordenando el cuadro como un laboratorio donde la vista se reconoce. Los elementos del cubismo, las fuentes de inspiración, la preponderancia del collage, la ruptura de un único punto de vista, la introducción de imágenes primitivas cuestionan no sólo la pintura como un dispositivo estético, sino el arte como espejo de una cultura.

Una cultura, que según los cubistas, ésta en crisis. Una cultura que guiada por la razón ha propiciado guerras y exterminado las formas humanas esenciales. La abstracción imprime nuevas leyes al cuadro, pero también el arte, lentamente, permitirá cambiar el mundo.    

Unidad IV:

El surrealismo es una de las tendencias más críticas de las lógicas de la razón, y de las imágenes mágicas arrasadas por el mundo capitalista y su interés por las alienantes máquinas de trabajo. El surrealismo encuentra su fuente de inspiración en las teorías freudianas, atravesado por el incipiente nacimiento de la neurología y un nuevo concepto de la conciencia humana. Todo es mucho más misterioso de lo que se creía y la realidad muestra caminos secretos. En esos caminos se pueden encontrar puentes y vínculos de con el arte latinoamericano, las vanguardias brasileras y latinoamericanas, periféricas de la razón hegemónica, proponen nuevas alternativas para la visión estructurada de la tradición europea.     

METODOLOGÍA:

Los alumnos abordaran el material teórico a partir de una exhaustiva lectura en clase de todos los sentidos implicados en los textos. Considerando que los alumnos son de primer año se irán reafirmando los contenidos continuamente, viendo desde diferentes puntos de vistas la misma problemática. Entendiendo que las artes visuales en la historia es el recorrido por los problemas estéticos que los artistas presentan con sus obras y sus escritos.

CRITERIOS DE EVALUACION:

Para evaluar los trabajos propuestos en la cátedra se tendrá en cuenta la capacidad para relacionar contenido, la predisposición de participación en clase y la apropiación de contenidos a través de lecturas regulares y persistentes.

INSTANCIAS DE EVALUACIÓN:

Las instancias evaluativas se ajustan las propuestas por la dirección de la escuela:

dos instancias evaluativas en el primer cuatrimestre  y dos instancias evaluativas en el segundo  cuatrimestre.

BIBLIOGRAFIA PRINCIPAL:  

HESS, Walter. “Documentos para la comprensión del arte moderno”, Editorial Nueva Visión, Buenos Aires, 1998.

BIBLIOGRAFIA COMPLEMENTARIA:

SUREDA J. y GUASCH, Ana María. “La trama de lo moderno”, ediciones Akal, Madrid, 1993.

GOMBRICH, Eric H. “La historia del arte”, Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 2007.

HAUSER, Arnold. “La historia social del arte y la literatura”, Editorial Guadarrama Madrid, 1969. (en biblioteca)

BATAILLE, George. CALLOIS, Roger. KLOSSOWSKI, Pierre. “Revista Acephale”, Editorial Caja Negra, Buenos Aires, 2006.  

WOODFORD, Susan. “Introducción a la Historia del Arte” - “Como mirar un cuadro”, Editorial Gustavo Gilli, Barcelona, 1985.

DIDI-HUBERMAN, Georges. “Ante el Tiempo”, Editorial Adriana Hidalgo, Buenos Aires, 2006.

CIPPOLINI, Rafael.”Patafísica”, Editorial Interzona, Buenos Aires, 2010.  

SANCHEZ MONTAÑEZ, Emma. “Arte indígena sudamericano”, Editorial Alhambra, 1986.

HATJE, Ursula. “Historia de los estilos artísticos”, Editorial Garriga. (en biblioteca)